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+#+TITLE: 太极拳和西方古典音乐
+#+DATE: 2023-06-21
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+我会拉大提琴很久了。虽然我拉的比较好，我的水平每天都在越来越高，但我肯定称不上是个音乐家。我自从来到中国后，都没听过，也没拉过西方的古典乐。最近是我来到中国之后第一次去约会，并听了柴可夫斯基的音乐会，我开始觉得太极拳和古典乐有很多相似性。我在这篇文章里要告诉你为什么我这样认为。
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+* 太极拳的历史与古典乐历史的对比
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+太极拳的历史充满了故事和矛盾，很难理解。相比之下，西方古典音乐的历史更容易理解。西方音乐传统、西方乐器和记谱法都来自己录怎么唱祈祷文的基督教僧侣。
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+大部分西方古典音乐的历史是由基督教主导的。这一时期的很多著名作曲家，例如巴赫，都受到上帝的幻觉，或者圣经段落，或者有一个教会要求他写作圣歌。
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+就像太极拳有几个不同的式，西方古典音乐也有四个时代：首先是文艺复兴时期，然后是巴洛克时期，再然后是古典时期，最后是浪漫主义的时期。我们把由它们组成的时期称为西方古典音乐。每个时期都有共同和独特的特征。虽然浪漫主义音乐比其他音乐更新，但是人们也喜欢表演比较旧的音乐，成喜欢听见比较旧的音乐，并且每个时期有一些作曲家更喜欢写作旧风格的音乐。现在，最好的音乐家通常只专注一种风格。太极拳也是一样的。太极师傅通常只是一种式的师傅。
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+在文艺复兴时期里人们首先开始真正地尝试不同的节奏，以及发展音节与和谐的理论。这个是其正式化了以后那个时期的标准特征。歌通常同时有很多不同的旋律，并且这些不同的旋律都有很像的特征，所以音乐听起来非常厚重。
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+在巴洛克时期，音乐理论进一步发展了。作曲家开始用特定的调子写作音乐，开始用标准循环的和弦。由于和弦不断地发展，机型创作变得更普通，所以音乐家不仅要了解怎么把他们的乐器玩得很好，而且要了解这些音乐方法一起协同。人们想要创造更丰富的声音，不仅要加更多的旋律线，而且要加更多的乐器。从此作曲家开始为现代管弦乐队写作音乐。
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+在古典时期里人们整理了巴洛克时期的概念，然后专注音乐的基础概念。通常音乐只有一段伴有和弦或者固定音型的旋律线，没有真正的对位。作曲家的目标不是丰富和有力的声音，而是他们希望创造很精致和优美的声音。因为乐谱开始用音量和发音说明，所以表演音乐家不再对他们演奏的内容有那么多的控制。表演期间的即兴创作也就消失了。
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+浪漫主义音乐是十九世纪浪漫主义艺术运动的一部分。音乐的背景现在超越声音，代表情感或者故事。虽然这种方法在巴洛克时期相当常见，但是在浪漫主义时期并不常见。很多音乐的灵感来自自然，从自然的声音、自然的形状找到灵感。技术变得非常重要：尤其是喧闹和安静的部分之间的对比。
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+这些是四种主要的风格，但是在二十世纪很多人尝试了不同的风格。其他风格的音乐越来越受欢迎，然后作曲家用它们的特点写作很有意思的新音乐。例如经常用萨克斯管和其他爵士乐器。现代太极拳式有时候用不同武术的方法，这两个方法是一样的。
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+* 传说
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+太极拳历史有很多传说，从她的起源故事到师傅的故事。虽然西方古典音乐的起源更容易追溯，但是它也有它自己夸张的传说。
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+神通的想法在西方古典音乐的历史很重要。莫扎特是最有名的例子，他从小表现非凡的音乐天赋。贝多芬开始表演的时候，因为他比莫扎特大一点，所以他的父亲在广告中谎报他的年龄。中年贝多芬失聪了，这是他现代声誉的重要方面。虽然他听不到自己写的音乐，但是他能感觉到乐器乐器的振动，他对音乐概念的了解非常深厚，所以他在没有听觉的情况下还能写作一些他最受好评的音乐。
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+在浪漫主义时期里，孤独是一种愿望。埃尔加就是一个典型的例子。虽然她写了一些这个时期最有名的音乐，但是他并不认为他自己是一个社区的一员。太极拳并不完全相同但是个人师傅一边致力于提高自己的技术，一边发现新技术的想法是一个共同的愿望。
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+在浪漫主义时期里，作曲家创作音乐的灵感也来自他们来自文化的重要文化部分。他们发展了现有的神话，用这些故事创作新的故事，还有讲述对他们自己国家的热爱。西贝柳斯的《芬兰》发展了一个新的芬兰身份概念。当时，芬兰还在被俄国控制。
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+* 实践
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+阴阳关系在太极拳中很重要。虽然能量平衡是不平等的，但是这种不平等创造了太极拳的力量和美丽。古典音乐表演在表演者和听众之间也存在不平衡。表演者一边演奏，听众一边听见。表演员是主动的，而听众是被动的。表演者应该努力感动听众。他们不用自己身体的力量，而是用演奏的情感。
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+太极拳是一种内功。重点不仅在于身体，而且在于体内动作的能量。同样，西方古典音乐也不能只用演奏的技术。表演者应该感受到音乐中的情感，并且跟音乐建立关系。但是为了在情感上而不是技术上进行演奏，音乐的规则应该完全内化。就像太极拳有不多的中心动作，可以通过多种方式组合，音乐也是一样的。
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+最中心的部分是音阶，八个音符跨越一个八度。不同种的音阶，例如大音阶或者小音阶，在听众中产生不同的感情。
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+琶音是音阶中的选定音符，通常是第一、第三、第五和八度。这些音符可以作为和弦一起演奏，也可以顺序地演奏。通过不同的顺序演奏琶音中的音符，我们能认识很多最有名的古典音乐作品。
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+我们开始学习演奏古典乐器的时候，我们首先学习音阶和琶音。就像在台集权中一样，我们在两个方向上一遍又一遍的演奏这些音符，直到他们听起来很热爱。当我们能感受到我们演奏的所有音乐的模式的时候，我们不是一个音符一个音符地演奏音乐，而是对一个个想法进行演奏。
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+实际上，我认为不能一个音符一个音符的演奏音乐。音乐由小节中的音符，乐句中的小节，整个作品中的乐句组成。但是这些小节只能作为导航辅助工具，它们在实际的演奏很少有用。相反我们应该考虑乐句，听起来像一系列的动作。乐句通常能以不同的顺序一遍又一遍地演奏，以便练习特定部分，也许几百次。我经常会慢慢地演奏一个新乐句，然后逐步提高一点速度，直到我能完全流利地演奏。弹奏最后一个乐句然后移动来开始学习也是常见的做法。这样我们对音乐的结尾有了最熟悉的了解，我们演奏音乐的时候就可以变得越来越舒服。
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+有作曲家在其他音乐作品上写变奏曲的传统。他们保持和弦进行或者中心的主题，但是改变顺序或者节奏，以这种方式写作听起来又熟悉又新的音乐。
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+这些在西方古典音乐中的方法和太极拳的方法都有一样的目的：个体的动作应该是无意识的，这样我们能真的欣赏真实的动作。
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+* 当代器乐
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+技术让人们用唱片存储音乐，又让人们用电脑发出声音之后，这些方法也成为西方古典音乐传统的一部分。二十世纪音乐的重要人是约翰·凯奇（John Cage）。他的灵感来自易经还有音乐怎么融入随机性。虽然我已经说过因为表演者通常只用乐谱作为执导，所以演奏古典音乐没有严格的办法，但是 凯约翰还是认为音乐有太多顺序。即使每个音乐者会以不同的方式演奏，但是一般的旋律和顺序还是一样的。他希望每次音乐演奏的时候都听起来不一样。他的作品叫4’33’’是这个时代最有名的作品，真的发展了这个概念。弹起来需要四分三十三秒，但是音乐者沉默了。虽然没有乐器发出声音，但是这件作品也不是沉默的，因为世界也不是沉默的。听众应该听风声、其他人声、鸟鸣声之类的。世界声总在变化。我认为这和太极拳比较一样，因为表演者对环境反应，而不仅仅是遵守乐谱。
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+* 结语
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+我不认为传统太极拳和西方古典音乐是完全相同的，因为它们的发展方式非常不一样。但是我考虑这个话题的时候我很惊喜地发现它们这么多共同的特点。我找不到关于这些学科之间关系的先前研究，但是我希望这个学科有进一步的研究成果。
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+周千舒校对